В искусстве надо быть эгоистом: мысли о творчестве, зрителях и вдохновении

Сегодня можно увидеть много новостей, в которых слово «художник» и какая-либо, иногда весьма странная, деятельность стоят в одном предложении. Мы уже привыкли, что все границы между понятиями «искусство», «художник», «произведение искусства» давным-давно безвозвратно стёрты. Кто я, чтобы рассуждать в масштабах всех этих историй? Могу лишь поделиться своим мнением на этот счёт. 

Однажды я разговаривала на эту тему с одним московским художником, преподавателем печатной графики, и он высказал мысль, которую я запомнила навсегда. По его мнению, будущее всё-таки за прикладным искусством, будь то декоративно-прикладное искусство, живопись или графика. Будущее за художниками, которые умеют работать руками и работают. За художниками, которые наделены чувством вкуса, грамотно пользуются законами композиции и так далее. Все виды искусства перемешались, нам остаётся лишь выбрать для себя, что с чем и как сочетать.

Что касается посыла, вкладываемого в произведение искусства, тут тоже личное дело каждого художника. Конечно, в наше время надо «извернуться», чтобы зацепить зрителя, «вложить глубокий смысл» и прочее. А что если делать то, чего просят твои руки? Реализовывать те вопросы, которые тебя интересуют, а уж каждый зритель найдёт собственный смысл. 

Я считаю, что современные перформансы художники направляют на общественность, чтобы каждый человек мог что-то почувствовать и выразить своё мнение. Этих же людей выставки в музеях нисколько не интересуют, они заведомо скажут, что ничего не понимают. Получается, что образовывается в некотором роде «междусобойчик», где художники смотрят на работы друг друга, общаются, развиваются, делятся опытом. Обывательскому взгляду интересен скандал, устроенный «художником-вандалом», тогда как выставка пленэрных работ одного признанного художника соберёт гораздо меньше взглядов и комментариев. 

Каждый художник вкладывает в свои работы определённый смысл, но никто не обязан нести через своё творчество политические и социальные идеи. Правда, сказать, что искусство вне времени, всё-таки не получится, ведь время идёт, всё развивается. Вспомним из истории искусств, как художники писали свои полотна по 10, 20 лет… Но если в наше время художник не будет показывать свои работы в течение 10 лет, все забудут, что он художник. Мир требует от творца показывать что-то новое чуть ли не каждый день. Это же связно с глобальной ролью в нашей жизни интернета, где каждый из нас может создать своё электронное портфолио. Здесь, я считаю, надо найти золотую середину, свой ритм, свой способ демонстрации работ. 

В искусстве надо быть немножко эгоистом. Впитывать советы мастеров, но сохранять свою идею, прислушиваться к мнению зрителей, но не забыть основную мысль, смотреть на работы коллег, но не потерять свой стиль. Я считаю, что в первую очередь нужно получать удовольствие от того, что ты делаешь, а зритель всегда найдётся.

Безусловно, не мне утверждать, что должны, а что не должны делать художники. Но я считаю, что для зрителя важно получить удовольствие от просмотра художественных произведений, возможно, даже отдохнуть, а не выйти с выставки «загруженным». Причём «загрузиться» зритель может, не только прочитав в работах художника посылы, но и от того, что ничего из этих работ не понял и посылов никаких не разглядел. Для далёкого от искусства человека, наверное, приятнее смотреть на работы и оценивать их на уровне нравится – не нравится, задумываться, как же художник добился того или иного эффекта, фактуры и т.д. 

В наше время все границы между настоящим и ненастоящим искусством стёрты. Разве вправе мы судить? Безусловно, профессиональному взгляду видно, что есть самодеятельность. Самое обидное, что зачастую искусством воспринимаются такие излюбленные обывателями, лишённые профессионализма, понимания даже малейшей анатомии, портреты с фотографий. В большинстве случаев, как это ни печально, общество скажет на это «Ваааау», а, например, абстрактную композицию, над которой работал профессиональный художник, не поймёт.